Cuando la coreografía educa: Mildred Ramírez y el regreso transformador a West Side Story

West Side Story: un movimiento con significado

Hoy, West Side Story vuelve al escenario cargado de memoria y significado. Diez años después de haberlo interpretado, Mildred Ramírez vuelve a este musical desde la producción, con la experiencia de más de 20 años dedicados a la danza y la enseñanza, con la certeza de que cada coreografía también educa.

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Mildred estuvo rodeada del arte durante toda su vida. Desde los 7 años inició su formación artística en el Conservatorio Castella, pero fue a los 12 cuando se dio cuenta de que la danza era el camino que quería recorrer el resto de su vida.

“Mis papás siempre nos dieron la oportunidad de explorar el arte

“Yo descubrí que el baile era lo que quería a los 12 años; de ahí en adelante me enfoqué y mi trabajo más grande fue convertirme en bailarina del Castella”, expresó con orgullo.

Tras graduarse con un técnico en Danza y Ballet, comenzó a impartir clases en diferentes estudios y a bailar profesionalmente. Este camino la llevó a encontrarse con oportunidades que cambiaron su vida, como el proyecto Contacto Independiente de la Compañía Nacional de Danza; también la segunda temporada de Contramarea por el Teatro Auditorio Nacional, donde interpretó a Alicia, una capitana de la zona norte, experiencia que le permitió trabajar más su faceta como artista escénica. Este recuerdo lo atesora, además, por haber tenido la oportunidad de actuar junto a la música en vivo de la banda Malpaís.

A estas experiencias se suma su participación en el musical West Side Story por Luciérnaga Producciones, donde interpretó a Francisca, una de las chicas de los Sharks.

“Justamente el que me cambió bastante mi trayecto como bailarina y me ayudó a ser más una intérprete fue haber participado en 2015 en West Side Story por Luciérnaga producciones

“Cuando yo conozco el teatro musical a partir de esta experiencia con Luciérnaga, me di cuenta de que me encantaba practicar las tres disciplinas”, comentó la artista.

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Con un elenco de más de 20 jóvenes, con diferentes destrezas y niveles artísticos, Maracuyá inicia el montaje de este musical, uno de los más icónicos de Broadway y también uno de los más reconocidos por sus números de baile, cargados de líneas de jazz y ballet.

En un proceso de cinco meses, la coreógrafa asume la responsabilidad de montar más de cinco secuencias de baile junto a un elenco donde aproximadamente el 50% de los intérpretes estaban debutando en el teatro musical. Manejar jóvenes con poca experiencia puede parecer todo un reto, y realmente lo es. El punto diferenciador está en aquellos intérpretes que tienen un hambre voraz por crear arte.

Precisamente, Costa Rica cuenta con muchos jóvenes que, aunque tienen pocas oportunidades de prepararse en el ámbito artístico, cuando encuentran un espacio entregan corazón y alma para sacar adelante las producciones que se les presentan.

“Fue una experiencia súper linda, porque obviamente tenían demasiadas ganas, que es algo que caracteriza a la gente que va a Maracuyá, entonces para mí fue súper lindo y,aunque no tuvieran experiencia, como tenían demasiadas ganas, fue muy gratificante”, explicó.

Por otro lado, Maracuyá es conocido por sus propuestas innovadoras. Respetando los momentos más sagrados de cada obra, el equipo se apropia del guion y lo adapta, dándole un toque especial y de originalidad a cada una de sus producciones. Sin embargo, encontrar el equilibrio entre lo clásico y lo innovador puede convertirse en todo un reto.

“Hay ciertos pasos de baile que son icónicos, como las poses de los Jets en Cool, o el faldeo de las chicas en America; muchísimo de eso quise respetarlo, así como la escena donde se conocen Tony y María

“Pero también quise jugar con el estilo del mambo, que es de las partes que más me vibraban; en la versión original hay un tema de muchas formas y líneas y yo le quise meter un poco más de curvas y de latinaje y fue muy rico porque el grupo lo recibió muy bien”, agregó.

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La principal característica de este musical es la rivalidad entre pandillas, y ese sentimiento fue uno de los objetivos clave que Mildred buscó transmitir al público a través de cada coreografía. Que se sintiera el contraste entre las raíces y el nacionalismo de cada banda era esencial para comunicar la historia.

“Yo quería transmitir el tema de la gente puertorriqueña que tiene raíces muy latinas y que fuera demasiado evidente y aprovecharlo para que contrastara a nivel de movimiento con la cultura norteamericana, que es muchísimo más seca, más de líneas, menos decadencias, menos sabor, que era demasiado importante que eso quedara plasmado”, señaló la artista.

Este proceso no solo marca la experiencia de cada espectador, para quienes se cuida cada detalle con tanta dedicación, sino también la de cada artista involucrado. Por eso, para la comunidad de mentores en Maracuyá es importante llevar estos procesos desde el respeto a la capacidad corporal de cada artista y la inclusión de todos los cuerpos, enseñándoles a los jóvenes involucrados que ningún proceso es lineal, pero que todos los procesos son igual de valiosos.

“Para mí lo ideal es que el estudiante se lleve el recuerdo de un proceso a nivel coreográfico de mucho respeto, compasión y mucho abrazo con la forma en que su cuerpo se mueve, procesa el movimiento que se le propone y resuelve en el escenario

“Pero que principalmente disfrute no solo del resultado final, esperando que sea lo más maravilloso, sino también de todo el proceso con todo lo que eso conlleva, las frustraciones, lo que hay que soltar en el camino y lo que se puede abrazar”, expresó de forma emotiva.

Y así como para los elencos cada proceso marca su carrera artística, montar las coreografías de un musical tan exigente, relevante a nivel artístico y tan significativo a nivel personal conlleva una gran responsabilidad emocional y escénica. Se trata de un reto que no muchos se atreverían a asumir, pero que Mildred, más que como un desafío, lo entendió como una oportunidad para honrar su propia trayectoria como artista.

“La responsabilidad emocional y artística de coreografiar este musical, principalmente para mí, fue muy grande. Honrar de alguna manera mi propio camino donde empezó, y en ese momento también cómo estaba trascendiendo de ser intérprete a ser coreógrafa de algo tan importante que me marcó a mí, como artista, fue muy lindo, muy retador, especial y completamente revelador”, remarcó.

Las coreografías no empiezan ni terminan cuando se sube o baja el telón. Permanecen en los cuerpos que atravesaron el proceso, en la confianza que se construyó durante los ensayos y en la manera en que cada intérprete aprendió a habitar su movimiento con mayor conciencia y libertad. Para Mildred, esa es la verdadera enseñanza que quiere que sus alumnos tengan presente siempre.

Montar West Side Story no fue solo recrear una historia icónica; fue crear un espacio donde el movimiento se convirtió en lenguaje, identidad y encuentro. Cada coreografía fue pensada no únicamente para ser vista, sino para ser sentida por quienes la habitaban, entendiendo que el escenario también es un lugar de transformación personal.

Al final, esta producción confirma lo que Maracuyá viene construyendo desde hace años: un lugar donde el arte se hereda, se transforma y se vive con intensidad. Donde los clásicos no se repiten, se resignifican; y donde cada proyecto es una oportunidad para formar, crear y creer en el talento joven.

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